Art that resolves and art that does not resolve｜”解決するアート”と”解決しないアート”
“解決しないアート”とは何でしょうか。一般的には、“解決するアート”のほうが優れているように思われがちです。しかし、私自身が観覧者として展示を訪れるとき、より強い興味を抱くのはむしろ“解決しないアート”です。
写真という表現活動を続けていると、知人の展示に足を運ぶ機会が自然と多くなります。その際、私は写真に限らず、さまざまな芸術分野の展示に積極的に足を運びます。芸術的な思考や他者の芸術論、そして視覚芸術の領域全般について学ぶためです。
そこで私が惹かれるのは、写真でも絵画でも、ひと目見て「これは何だろう」と疑問を抱かせる作品です。これこそが、“解決しないアート”だと私は考えています。
私自身、作品の作風が特徴的であることもあり、観覧者から作品の解説を求められることが少なくありません。もちろん、作者として可能な限り丁寧に解説しますが、時には解説を求められない作品も存在します。
そうした作品とは、たとえば夕焼けや朝日、花といった明確な“被写体”をそのまま写した作品です。これらはいわゆる一般的な作品といえるでしょう。
複数回の展示を通して実感するのは、人間は“解決しないもの”のほうが記憶に残りやすいという傾向です。それは、おそらく美しい朝日や夕焼けといった風景が「何が写っているのか一目で分かる」ためだと思います。
2025年の個展「LULLABY」では、蓮の花をあえてブレるように撮影した作品を展示しました。この作品は多くの方に「不思議だ」と言われました。
一方、日の出や夕焼けの作品では、よく「どこで撮ったのですか」と場所を尋ねられます。私は作品を見て場所を気にすることはほとんどありませんし、場所を知っても、実際にその場に行って撮影しようと思うことはありません。場所が分かったとしても、何かが“解決”するわけではないのです。これは私独自の感覚かもしれません。
しかし、多くの方にとっては「場所」を知ることで「自分も同じような写真が撮れるのではないか」という期待や安心感が生まれるのかもしれません。だからこそ、場所を伝えるとそれ以上の解説は求められない場合が多いのでしょう。
一方で、先述した蓮の作品のように、見た人が「雲にも花にも見える」と感じるような、何かしら想像が及ばない作品には、解説を聞いたところで疑問が深まるばかりです。
この“解決しない”感覚こそが、展示会場を後にしても、なお頭の中に残り続ける理由ではないでしょうか。
私が考える本来の写真表現とは、見る人の想像が及ばないものを、想像が及ばないまま写真という媒体に定着させることです。
私にとって、そのような“解決しないアート”こそが展示空間をより豊かにし、芸術という文化を一般の方々に伝えるための一つの有効な方法であると考えています。
What is “art that does not solve”? Generally speaking, “art that solves” tends to be considered superior. However, when I visit exhibitions as a spectator, I am more interested in “art that does not solve problems.
As I continue to engage in the expressive activity of photography, I naturally have many opportunities to visit the exhibitions of people I know. I am not limited to photography, but I actively visit exhibitions in various fields of art. I visit these exhibitions to learn about artistic thinking, the artistic theories of others, and the field of visual arts in general.
I am attracted to works of art, whether they are photographs or paintings, that at first glance make me wonder, “What is this? I believe that this is what I call “art that does not solve itself.
Because of the distinctive style of my work, I am often asked by visitors to explain my work. Of course, as an artist, I try to explain my work as carefully as possible, but there are some works for which I am not asked to give an explanation.
Such works are those that capture clear “subjects” such as sunsets, sunrises, and flowers. These are what we call general works.
What I have realized through multiple exhibitions is that people tend to remember things that are “unresolved” more easily. This is probably because we can “tell at a glance what is in the picture” when we see a beautiful sunrise or sunset.
In my solo exhibition “LULLABY” in 2025, I exhibited a work in which I dared to photograph lotus flowers in a blurred state. Many people said this work was “mysterious.
On the other hand, for my sunrise and sunset works, I am often asked the location, “Where did you take these pictures? I rarely pay attention to the location when I look at a work, and even if I knew the location, I would never think of actually going there to photograph it. Even if I know the location, it does not “solve” anything. This may be my own feeling.
However, for many people, knowing the “location” may give them a sense of security and hope that they will be able to take the same kind of pictures. That is probably why, in many cases, once the location is given, no further explanation is sought.
On the other hand, for a work like the aforementioned lotus work, in which the viewer feels that “it looks like a cloud or a flower,” and for a work that is somehow unimaginable, the question will only deepen after hearing the explanation.
This sense of “unresolved” questions may be the reason why the works remain in my mind even after I leave the exhibition hall.
In my opinion, the original photographic expression is to fix in the medium of photography what the viewer cannot imagine without being able to imagine it.
For me, this kind of “art that does not resolve” is one effective way to enrich the exhibition space and communicate the culture of art to the general public.